Con un nuevo documental sobre su vida, SHOT! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock, Vice se reunió con el icónico fotógrafo Mick Rock para hablar de Ziggy, Iggy y el invencible poder del rock and roll.
Por Matthew Whitehouse, I-D UK
Todos los derechos de fotografía pertenecen a Mick Rock 2017
Ciudad de México, 13 de agosto (SinEmbargo/ViceMedia).– Piensa en el rock and roll de los 70 y todas las imágenes que vengan a tu mente existen gracias a la lente de Mick Rock. David Bowie hincado frente a la guitarra de Mick Ronson en un concierto en el Oxford Town Hall. Un agotado Lou Reed en la portada de Transformer. Debbie Harry como la respuesta punk ante Marilyn Monroe con sus increíbles pómulos, la artista más carismática de toda la década. El fotógrafo originario de Londres no estaba detrás de sus almas; lo que quería era sus auras. Y también las capturó, haciendo que la fotografía del rock and roll pasara de ser algo enteramente subsidiario a algo con la misma importancia de la música en el gran proceso de crear su mito. Ahora que es el objeto de un nuevo documental, SHOT! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock, nos reunimos con el legendario fotógrafo para hablar de Ziggy, Iggy y cómo su lente se convirtió en el lente más icónico del rock. Teniendo ese apellido, ¿en qué más podría haberse convertido?
– ¿Por qué crees que te sientes tan atraído por los músicos?
– Probablemente por mis primeros estudios. Es decir, ¿qué estaba haciendo en Cambridge aparte de perder el tiempo por ahí? Estudiaba Lenguas Modernas y Literatura, lo que abarcaba, por supuesto, a gente como los Poetas Simbolistas Franceses, los Románticos Ingleses y los Beats. Ellos fueron las primeras personalidades. No sólo su trabajo, sino los prodigios que producían ese trabajo, el estilo de vida que tenían, el cual muy a menudo parecía implicar adquirir varios estímulos e incluso no comer ni dormir. Así que creo que vi a esos primeros músicos a través de ese prisma y me identifiqué con ellos, fueran o no conocidos en esa etapa, como artistas, y no sólo como estrellas pop o rollers. Y tal vez estaba en lo correcto al verlos de esa manera.
– ¿Quién fue el primero al que fotografiaste?
– La primera sesión fotográfica que hice y que a nadie le importaba fue con Syd Barrett. Quién fue sin duda un artista. Siempre pintando, incluso al final de su vida. Era un personaje único. Sin él no habría Pink Floyd. Tenía una luminosidad especial.
– ¿Por qué a la gente todavía le interesa tanto lo que hiciste en los años 70?
–Hay una cierta fascinación por los años 70. Durante bastante tiempo fue por los 60, pero como que ya se desvaneció. Hay una fascinación por esos personajes, los glammy y punky, y su influencia en la música en el sentido más amplio, especialmente por David Bowie, quien siempre estaba intentando cosas diferentes, y por Marc Bolan. Es decir, The Stones, que Dios los bendiga, ellos todavía salen y tocan frente a 55,000 personas, pero esencialmente están tocando la misma música. Mientras que el período de Ziggy Stardust en muchos aspectos se ha convertido, visualmente, en el período definitorio de la imagen de David, en la música incursionó casi en todo excepto por el reggae. Era un personaje simplemente extraordinario.
– ¿Has llegado a considerarlos a él y a Syd y a los demás a los que fotografiaste como tus musos?
–Ay, Dios, tienes razón en eso. La gente por lo regular me pregunta: ¿qué fotógrafos te influyeron? Pero realmente no me influyó ninguno. Yo no quería ser fotógrafo. Definitivamente. Pudo haber tenido algo que ver con mi psicodélico cerebro, pero solía verlos más como criaturas míticas en cierta forma. Esas figuras esenciales como Syd, David, Lou Reed, Freddie Mercury… musos es una palabra adecuada. Musos o quimeras, en realidad.
–¿Qué tan importante es para el éxito de una carrera estar en el momento justo en el lugar adecuado?
– En el primer concierto que fotografié de David había 400 personas. Lou, cuando hizo Transformer apenas había vendido unos cuantos discos. Iggy, apenas podía conseguir un contrato discográfico. Incluso Queen, cuando los conocí, no había tenido realmente ni un hit. Así que se podría decir que es importante. La otra cosa que se podría decir es que estaba escrito en las estrellas y que sólo estaba viviendo lo que se suponía que debía estar viviendo. La gente suele decir: ‘Vaya, ¿sabías todo lo que lograrían?’. ¡No lo sabía! No creo que ninguno de nosotros lo supiera. David podría haberlo sabido. Parecía tener un poco más de predisposición a ello.
– ¿Cómo te sientes con respecto a esa etiqueta de ‘el hombre que capturó los años 70’?
– La odiaba. ¡No es como que hubiera renunciado a la cámara en 1980! Pero todo el mundo se da conoce por ciertas cosas. Incluso en el caso de David, recuerdo el período en que era parte del grupo Tin Machine y salieron de gira con Trent Reznor y eran el número dos en el cartel. Tuvo su período bajo en términos de popularidad pública. Y recuerdo haber hablado con él antes de que se fuera a Glastonbury en el 2000, cuando todos los críticos británicos estaban en su contra. Dijeron que estaba perdido por no estar tocando las canciones viejas. ¡Así que en Glastonbury lo hizo! Cuando regresó, dijo: ‘Vaya, tuve que tocar muchos de los éxitos antiguos y ahora me aman de nuevo’. Así que incluso un genio como Bowie, es encasillado de alguna manera. Si tienes algún tipo de éxito desde el principio, ése es el tipo de cosas que tienes que enfrentar. ¿La gente va a recordarme para las fotos de Queens of the Stone Age, Karen O o Snoop? Probablemente no. Siempre seré el hombre que capturó los años 70.
